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唐建:传统中国画的艺术特征

文章出处: 人气:发表时间:2016-08-03 08:55
唐建:传统中国画的艺术特征


 
秋花向日 138x69cm
 
中国画是东方艺术的代表,中国画的特点有概括明确、全面、变化以及动的神情气势等。中国绘画,追求内在的精神气韵而不以简单的形似为目的。在此,大家姑且将中国画与西方绘画所体现出的技巧形式做一下比较,从中找出中国画的风格特点。
 
 
林间有丹果 68x68cm
 
一 中国画“以形写神,形神兼备”的审美特征
 
绘画又称平面造型艺术。塑造形体是绘画的基础,中西绘画都是如此。但中西绘画对造型的追求是不一样的。传统的西方绘画更注重物体的形象刻画,而传统的中国画更注重物体的精神表现。中国画的山水讲求意境的美,人物追求内在生动的精神,花鸟追求灵动的情趣,没有去强调形象的逼真和追求外在的表象。关于形与神的辩证关系,东晋的顾恺之早就提出了“以形写神,形神兼备”a的理论。形与神的关系是辩证的,但追求对象的内在精神气质是绘画的最终目的。在形与神的比重中,中国画更注重神的刻画,可以说“神”是第一位的,而形则“写意”。在处理画面的时候,为了追求内在的精神,形体可以适当地变化、夸张、概括,以达到服从于“神”的目的。下面就形神的关系以及神的重要性,举两个例子。
 
 
 
秋色 96x198cm
 
宋代郭若虚的《图画见闻志》记载了这样一个故事:“郭汝阳(子仪)婿赵侍郎,尝令韩幹写真,众称其善,后请昉写之,二者皆有能名。汝阳尝以二画张于坐侧,未能定其优劣。一日 , 赵夫人归宁,汾阳问曰:此画谁也?云:赵郎也。复曰:何者最似?云:二者皆似,后画者为佳。盖前画者空得赵郎状貌,后画者兼得赵郎情性言笑之姿尔。后画者,乃昉也。”这个故事中的两个画家前为韩幹,后为周昉,都是唐代一流的高手,他们都为赵侍郎画像,可是二人的能力是不分上下的,画得都十分逼真,一般的人是难以分高下的。但赵侍郎之妻,她是最有发言权的,古人云“知夫莫如妻”,她更加注重的是内在气质的刻画,这是分辨是否为真正高超的艺术作品的关键所在。另一个故事,春秋五霸之一的秦穆公好千里马,伯乐年老,他推荐一位年轻的相马能手九方皋给穆公,九方皋三月之中为秦穆公找到一匹千里马。穆公问:“何马?”对曰“牡而黄”(牡,雄马),牵来一看却是“牝而骊”(牝,雌马;骊,黑色),穆公不快,伯乐说,九方皋是“得其精而忘其粗,在其内而意其外;见其所见,不见其所不见,视其所视,而遗其所不视。若皋之相马者,乃有贵乎马者也”。穆公牵来一试,果然是一匹难得的千里马。虽然九方皋对于马的外表没有仔细地研究,但对其内在的本质却丝毫没有放过,这正如同绘画中形与神的关系,神是最关键的,形是为神服务的。由此可见,只知其表象,徒有所穷,亦不足为论,而抓住事物的精神实质,又何求外表呢?
 
新鸣 68x68cm
 
 
二 中国画追求“以白计黑,以无计有”的独特审美
 
中国画深受道、释、儒三家哲学思想的影响,其中“以白计黑,以无计有”就是老子的理论,在中国画中具有特别重要的意义。这种传统的哲学思想曾对中国画产生重大的影响,也成为学习、欣赏中国画最关键的问题之一。
 
 
其实“有”与“无”和“黑”与“白”,都和“虚”、“实”密切相关,这是一对既矛盾又统一的绘画理论。
 
 
中国画很讲虚与实的关系,“虚”既可以是画上的空白,又可以指画幅上的内容。在中国画中,除了要充分地表现实的内容,更注重虚的空白,甚至可以说“虚”的水平高下,表现得如何,是衡量一个画家修养的关键。“虚”者,空也。虚处的表现依赖于实处的内容,虚是实的延伸,没有实何谈虚呢?“虚”又是实的升华与深入。所以历代画家都十分注意“虚实”、“黑白”,其实也就是“有”和“无”的关系。老子说“知白守黑”,就是说黑从白现,深知白才能处理好黑。
 
 
 
天香 69x138cm
 
普通的规律,在画上的“黑”是黑色的物体、黑的衣物、黑的石头等等。白是白的云、白的水、白的帆等等,这是物理上的白。其实“虚”、“白”、“无”在画上有更深层次的含义,它既可以说是普通物理上的白,更深一步指的则是所表现思想内涵的“虚”、“无”,它在中国画中十分重要,这也是“画龙点睛”之笔,有这样一个例子可以说明。
 
 
宋徽宗赵佶是一位伟大的书画家,他对绘画的提倡推动了中国画在宋代的兴盛。在中国美术史上赵佶是一个非常了不起的人物。他为了科考画家,出了许多的考题,其中有柳宗元的“寒江独钓”,这首诗的意境深远,关键在于一个“独”字,这是诗的“诗眼”。考生中首推马远,他画一孤舟,一蓑笠翁独钓于江水之中,没有画其他任何东西,巧妙地突出了一个“独”字。孤舟是实,而“虚”则是把大量的空白留给了观众,让读者去想象、填充画面的江水景物,使画面的内容更加丰富。还有“踏花归来马蹄香”,其中怎样表现“香”字十分重要。一画家画数蝴蝶、蜜蜂飞逐于马蹄周围,突出了一个“香”字,而画中的人物、马则极为简单,这样就用蜂蝶的“实”来表现出花的香,香是“虚”的,给人无穷的遐想,美在不言之中。其他如“深山藏古寺”、“竹锁桥头卖酒家”、“万绿丛中一点红”都从一个“无”字着眼,显示了艺术家的想象力和创造力。这种运用空白、虚境的方法在中国画中比比皆是,这是一种对比的方法,是为了更好地突出主题。
 
 


 
 
岁朝清品 102x68cm
 
三 中国画以线为主的笔墨观
 
线条这一艺术媒介和艺术形式,关系着一般绘画作品的审美感受,对中国画与西洋画来说,都具有重要的意义。关于绘画线条的起源,意大利文艺复兴时期的达·芬奇曾说:“太阳照在墙上,映出了一个人影,环绕着这个影子画的那条线,是世间的第一幅画。”这说明了线条的古老。英国的艺术理论家R.弗莱给儿童画下的定义:“首先我想,随后我环绕着我所想的,画了一条线。”它告诉大家线条是人本能的、自觉的表现手段。这一点大家从中国古代原始的岩画以及工艺美术中,也可以找到答案。
 
 
构成绘画的主要表现形式是:点、线、面、色彩。其中线条是最重要的,线条的特点:
 
一是线条比点与面更加完整,不易零碎;
 
二是线条更加清晰、简捷明了、灵活,更易于捕捉形象;
 
三是线条更概括;
 
四是线条更富有情趣与变化;
 
五是线条更具有情感的特征。
 
大家知道不同的线条会产生不同的情感与艺术效果,装裱机如水平的线条给人以宁静、安详之感,斜线给人以不稳定的动感,曲线是生动变化的标志,“S”线为最美的线条,而圆线是滚动的运动线条,三角形是稳定的金字塔形,而倒立三角形为不安全的形,等等。
 
 
 
老松玉兰 138x69cm
 
中国画家由于运用毛笔,因此使用线条也就更加灵活而富有变化,或抑扬顿挫,或轻重急缓,或浓淡干湿,线条自然地抒发出了画家的情感。线条在中西绘画中都有着重要的作用,但在中国画中的作用更重要,它的变化更加淋漓尽致。一般说来,西方的线条在塑造形象时更注重表现形象的质感、立体感、空间感,多用以表现对象的轮廓线与结构线,所以线条就从属于对象的范畴,线条的独立性较差。中国画线条的作用已经超出了表现塑造物体的形象,成为表现编辑的情感、表现人的品格的手段,具有写形、写心、写意、写神的功能。中国画的线条作用十分巨大,唐张彦远说:“夫象物必在于形似,形似须全其骨气,骨气形似皆本于立意,而归乎用笔。”恽南田云:“有笔有墨谓之画。”而用笔的方法就是线条的方法。线条具有力度、节奏和韵律等变化。“力”有力透纸背、力能扛鼎、高山坠石的特征。线条如有控制和有规律地提按就产生了转折、重轻、急缓等变化,加之线条的粗细、浓淡、疏密、虚实、顾盼、书画装裱机呼应就产生了画面的节奏美和韵律美。古人根据不同的线条变化创立了十八描,黄宾虹先生指出线条有“平”、“留”、“圆”、“重”、“活”、“变”等内在的特征。
 
 
用墨的方法是笔法的深入变化,通过浓、淡、干、湿、焦墨、枯墨、宿墨、积墨、破墨等方法,使墨色产生丰富的变化,表现出物象的立体感和层次感,笔和墨是相辅相成的,笔为骨,墨为肉,一幅好的作品是笔法和墨法的完美结合体。
 
 
总之,中国画中的线条是画家从形象中抽取,既概括了自然形象,又融入了情思意境,具有极大的感情色彩,它有时不受物象的束缚,具有自由自在的独立性特征。同时,书法与绘画的审美特征也融合在一起,形成了中国画特有的线条之美。可以这样说,中国画的技法就是笔墨的技法。

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